Hace tiempo que Chile dejó de ser país de poetas. Me atrevo a decir que Chile hoy es país de directoras de cine. Directoras talentosas, prominentes y con gran ojo cinematográfico. A los nombres de Alicia Scherson, Elisa Eliash, Nayra Illic y Marialy Rivas, pueden sumarle el de Dominga Sotomayor, que se ha lucido en diferentes festivales con su primer largo De Jueves a Domingo.

La historia es la siguiente. Jueves por la mañana la familia de Lucía (Santi Ahumada de 9 años) comienza sus vacaciones familiares. El papá (Francisco Pérez-Bannen), la mamá (Paola Gianini) y Manuel, su hermano pequeño de 7 (Emiliano Freifeld). Van hacia el norte, Punta de Choros, Playa La Virgen, cerca de La Serena. Viajan en un auto viejo, pero grande. Todo parece estar bien, pero sólo en apariencia. El cansancio, el encierro del auto, el malestar de tener a un niño hiperquinético encima todo el tiempo, potencian los problemas de una pareja, que ya venía desgastada. Quizás estas sean las últimas vacaciones familiares.

Los ojos y espíritu de esta road movie familiar pertenecen a Chini (Lucía-Luchini-Chini), una pequeña niña que aunque está pronta a entrar en la pubertad, sigue manteniendo la inocencia y delicadeza propias de su edad. Casi siempre tiene los pies descalzos, le gustan las palabras gringas que de repente se meten en nuestro vocabulario, como ok y top, y, aunque no lo parezca, es bastante tímida. A Chini no se le escapa ni una, sabe que algo raro sucede entre su mamá y su papá, pero no sabe qué, quizás no quiere saber. Es a través de ella que vemos la cara de cansancio de Ana, su madre, una Paola Giannini que podría ser la hermana chica de Tamara Acosta en lo que interpretar a mujeres sufridas compete. Es con Chini, también, que percibimos a un padre severo, cambiante y poco amoroso con su mujer –aplausos para Perez-Bannen que definitivamente tiene que dejar las teleseries para ponerse a hacer cine de lleno-.

En algunos momentos, ver De jueves a domingo es como ver los videos de las vacaciones familiares que tuviste cuando niño. Está la palta -debe ser la película chilena con más alusiones a la palta-, los libros de ¿Dónde está Wally?, Simón Manda, molestar a los niños del auto del lado mientras tragas el cocaví que hizo tu mamá. Más encima los colores, los planos, el contraste del encierro del auto con los extensos paisajes del norte chileno. La película se ve preciosa, pareciera que fue grabada como con algún filtro de Instagram.

Las sutilezas. Al igual que sus cortometrajes previos (La montaña, Debajo), donde también se repite la presencia de niños y naturaleza, acá Sotomayor vuelve a experimentar con las sutilezas. La película tiene ambigüedades que son de lo mejor logrado del film, el hecho de que nada sea cien por ciento claro, de que no haya nada explicado completamente (ya que lo vemos todo a través de la niña), dice mucho de una directora que sabe y conoce como piensa la audiencia. Esta es una película que logra mezclar lo ameno de las vacaciones familiares con lo delicado que puede ser un matrimonio en quiebre. Lo placentero y lo peligroso. Sobre todo en los momentos finales que tienen esa suerte de caos calmo que Lucrecia Martel suele imprimir en su cine.

MOSTRAREMOS ESTA PELÍCULA HOY JUEVES 2 de MAYO GRATIS EN LA BIBLIOTECA NICANOR PARRA (VERGARA 324) A LAS 19 HRS. TE ESPERAMOS!

Sacaron los afiches, la sala está limpia, apagaron las luces y por fin la proyectora dejó de funcionar. Todo volvió a ser como antes: tranquilo, pausado, con poco movimiento. No como los días anteriores, mientras sucedía el 4º Festival de cine en Coyhaique.

Porque a pesar de la fecha, todavía se siente el frío y a ratos caen sus goterones, un verdadero espectáculo con el sol de fondo. Pero igual todo el día llegó público. Si bastaba con ver el revuelo que causaron todas las chiquillas que aparecieron cuando Pablo Cerda presentó su película Educación Física por primera vez en la Patagonia.

El público participó activamente durante todo el festival, incluso en las mesas de conversación que se realizaron a las 11 de la mañana para intercambiar experiencias entre audiencia e invitados. Porque llegar un domingo a esa hora y con resaca de por medio, es para muchos algo de sumo destacable.

Entre los momentos más memorables, Luis Dubó presentó El Año del Tigre. Ese día sí que había gente. Estaba repleto el cine como pocas veces. Y al término de la película no paraban de aplaudir. Ahí el “Tato” hasta se emocionó un poco. Es que ya lo conocemos en este extremo del mundo, y de alguna manera, es de la casa. Los aplausos solo corroboraron el cariño.

Otro hito sucedió cuando se proyectó Joven y Alocada. El cine era una sola masa de movimiento adolescente, todos amigos con todos. Masticaban ruidosamente sus palomitas desde el mismo hall y luego en las butacas. Pero el murmullo se detuvo cuando comenzó la película y el silencio se apoderó de la sala. Comenzaron a brotar algunas sonrisas hasta que, media hora de cinta más tarde, ya iban soltándose y luego simplemente eran carcajadas. Terminando las aventuras sexuales de la niña evangélica, la noche recién comenzaba. Porque con el festival también llegó Anita Tijoux, quien cantó al aire libre acompañada por una gran multitud y luego, esa misma jornada, presentó un breve show corto e íntimo en un conocido bar de la ciudad. Fue una velada notable que duró hasta la madrugada, con Catalina Saavedra, Diego Noguera, Alicia Scherson y los ya nombrados, interactuando con los patagones. Afuera, por cierto, llovía como si fuera julio.

Es que esta era la cuarta vez que se realizaba el festival. Quizás para algunos es poco tiempo, recién empezando. Y tienen razón. Pero lograr mostrar cine en una ciudad que no está dentro del circuito comercial de exhibiciones, que no está acostumbrada a ver cortos y largometrajes en pantalla gigante, ante un público que se siente, con justificada razón, tan alejado de la realidad nacional, se transforma en todo un desafío.

Un desafío que se renueva cada año al minuto siguiente del cierre del festival. Porque el interés está, la ganas también, y por su puesto la gente, el público que se ha ido acostumbrando a sacarle provecho a estos cinco días de puro cine en plena Patagonia Chilena.

Porque este festival fue una fiesta cinematográfica que la disfrutaron desde el escolar que se escapó a ver algo desconocido un lunes a media mañana, hasta la joven que se atrevió a ver una película “tan osada” como la presentada por Alicia Rodríguez (cinta que ni su madre pudo terminar de ver). Son momentos que se valoran, instantes que tienen el apellido del festival y que esperamos con todas las energías sigan sucediendo el próximo 2013 y los años que vendrán. Que así sea.

La noche asoma en la capital regional de Aysén y el ambiente cultural se prepara para vivir la fiesta más importante y esperada del año. El Cuarto Festival de Cine de la Patagonia se erige con una propuesta cada vez más renovada y con un grupo creciente de adeptos que disfrutan con las creaciones nacionales.

El frontis del Cine Municipal de Coyhaique se repleta de un público alternativo, que cruza las generaciones, viste de vivos colores y que ansioso espera el inicio de este evento que busca reunir lo mejor de la cinematografía nacional y que pretende consolidarse como un certamen reconocido y que trascienda las fronteras locales.

La espera se hace larga, la impaciencia aflora entre los invitados. Risas van y vienen. La organización distribuye folletería mientras algunos actores como Luis Dubó, Catalina Saavedra y Diego Noguera comparten sus primeras impresiones con los asistentes, se toman fotografías y disfrutan del último cigarro antes de entrar a la sala en la que se elevará el telón para la ceremonia inaugural de este certamen patagón.

Entre las conversaciones de los que esperan surge una pregunta: ¿Habrá un alto en la mitad de la película para comprar cabritas? Las risas se esparcieron entre los asistentes al recordar el tradicional corte se que efectúa en las exhibiciones habituales del cine municipal. En paralelo, otro grupo de fanáticos del séptimo arte agradecían al cielo el hermoso día que nos acompañó en la noche inaugural. Es sabido que la lluvia no distingue estaciones del año y se deja caer en cualquier momento en la Patagonia.

Personas entraban y salían bajo una lluvia de flashes y celulares al aire que inmortalizaban los momentos previos al inicio de esta fiesta de la cultura. Mientras tanto, y a un costado del cine, las principales figuras y los organizadores entregaban los pormenores a la prensa local.

De repente se abren las puertas y en tan solo minutos el público repleta la sala. A las 20.30 pm en punto se apagan las luces y surgen aplausos espontáneos que llenan de vida el lugar. Tras la proyección del spot publicitario del 4to Festival de Cine de la Patagonia, una fuerte luz encandece la mirada de los asistentes y desde el fondo del cine aparecen los protagonistas de dicha propaganda. En sus manos, cargan un cofre, un tesoro fílmico que depositan sobre un escenario ambientado rústicamente.

“Estamos en una nave que nos lleva a soñar”, sentenció el actor Luis Dubó al momento de entrar a escena y quien junto a Catalina Saavedra tuvo la responsabilidad de animar la noche inaugural. “La Patagonia está viva”, completó Saavedra en un ambiente de complicidad con el público y justo antes de dar paso a la presentación de NO, la película que abrió este Cuarto Festival.

Serán cinco días de exhibiciones que buscan instalar a la región de Aysén como un territorio de Desarrollo Cinematográfico a través de las categorías Cortometrajes de Ficción, Documentales y Work In Progress. La idea, según Marcelo Becerra, director del festival, es establecer una mirada del territorio patagón como la cuna de un futuro desarrollo cinematográfico, que sirva tanto de inspiración como para la filmación de películas.

Señoras y señores…sean todos bienvenidos al 4to Festival de Cine de la Patagonia.

“Una película de vampiros, una película de amor, un musical”, ¿Nadie dice otra cosa respecto de la película?. La estrategia de referirse a ella a través de una reseña “sugerente” y “ambigua” a mí me creó expectativas, pero ahí se quedaron, en esa reseña engañosa, y fue peor. Después me di cuenta, de que más que una decisión creativa, era la manera ingeniosa de referirse a una película que es básicamente, su buena estrategia conceptual.

La primera película de Víctor Iriarte, fue la primera que yo vi en el festival. Lo mejor de esa situación, es que aún no has comenzado a sentir que el tiempo pasa demasiado lento, y que las películas son muy largas. Y aunque esta es una película corta, me pareció eterna.
Esta es una película que sugiere una narración imaginaria, y se sirve de la música para crear imágenes y manipular emociones.

Cuadros de texto de larga duración son contrapuestos con secuencias de una mujer que experimenta con instrumentos musicales. La voz en off masculina y el texto le hablan a ella y narran los episodios de un pasado común, que constituirá una película. Entonces, los textos van acompañándose de música, y vemos a la mujer componerla.

Si tengo que rescatar algo de esta película, lamentablemente no se refiere ni al cuidado de los detalles técnicos, ni a la profundidad de su propuesta cinematográfica. Más bien parece un muy buen ejercicio de conceptos, en donde los elementos semánticos de imagen más texto se articulan como un mosaico de significados que deben ser compuestos en la mente del espectador.

Amo la austeridad de los relatos. Me gustan los silencios y las sugerencias que producen desenlaces, en donde se devela ese encanto de seguir soñando con una escena, un guiño, o incluso algo que puede ser un descuido. Aquí finalmente ganó lo plano, y sin temor a equivocarme, creo que al realizador le falto atreverse a proponer lo que realmente quería decir, con otros elementos que no fueran el atosigamiento de significantes que no dan cuenta del verdadero espacio que nos permite soñar el cine, para sugerirnos que hay un mundo amplio psicológico o mental.

Yo no llegué a compenetrarme con la historia, pero el recurso del texto como generador de imágenes funcionaba. Y funcionaba tanto que me pasé la mayor parte del tiempo reemplazando los textos por mis propias conversaciones y cartas de amor.

Escribir sobre Valdivia mirando Santiago es muy distinto. Ya me parece que fueran muchos días o semanas, cuando recién regresamos ayer de mañana.
Me hablaban del vacío post festival. Hoy vuelvo a mi rutina extraña.

Extraña es la vida de Juan. Hermano de Pablo Stoll, nuestro favorito del 19 FICV. Juan actúa de Juan, es decir, no actúa. Él es, naturalmente particular y ésta película también.

Hiroshima es una película paradójicamente muda. Intertítulos intervienen la vida Juan, con las pocas palabras que intervienen su vida. Un perro dice “¡Arf arf!.

La película comienza con un plano secuencia, increíble. Algo tiene de Gus Van Sant. Y la mejor banda sonora de todo lo que escuché en el festival. Toda la música que escuchamos es toda la música que escucha Juan. Las pocas palabras (y escritas) hacen del sonido el recurso narrativo más importante para contar esta historia. O esta no-historia. Todo lo que va pasando se construye a través del sonido. Cada espacio transitado por Juan, lo habitamos escuchando su respiración, los pajaritos, la panadería, el papelillo de su tabaco armado. Paisaje sonoro.

Tendría muchas escenas favoritas. Pero algunas tienen más fuerza que otras.

Hablo de Juan y su padre. Cámara lenta. Un enfrentamiento casi brutal. Algunos rostros son imposibles de descifrar, éstos lo fueron.

Creo que Hiroshima es la joyita más preciada que me guardo de este festival. Mi primera vez en Valdivia. La preferencia es especial. Defiendo el cine pequeño, defiendo el cine familiar. También habría hecho una película de mi hermano, pero después de esto no sería nada original.

Si 25 Watts eran veinticuatro horas de la vida de tres jóvenes, Hiroshima son veinticuatro horas de la vida de Juan. Hablamos de Pablo Stoll, que algo esconden todas sus películas de si mismo. Incluso algo esconde Juan.

Hace 19 años sucede el Festival Internacional de Cine de Valdivia. Pero desde hace algunos años también sucede, en paralelo, el Australab, el mercado y laboratorio profesional del Festival. Este es un evento de Industria y no es de libre acceso al público. Hay que ser un “miembro de la Industria” para participar. Básicamente, es el evento de los pros, donde no se ven películas, sino que se ven proyectos, en distintas etapas. Por un lado están los invitados, por otro los realizadores. Tuve la suerte de ser uno de los invitados de este año, y este es mi reporte para todos los Cinépatas que les interese el lado industrial del cine. Esto es intercambio, esto es pitchear, esto es PR, conocer gente y darse a conocer.

El Australab año 2012 tuvo tres actividades principales: Australab Promeetings, Puentes Australab y Cine sin Fronteras.

En las Promeetings, once proyectos en desarrollo, rodaje o post tuvieron reuniones one-to-one con distintos profesionales del ámbito cinematográfico. Básicamente, uno se reúne con cada proyecto, escucha, pregunta y opina sobre ellos. Nueve proyectos chilenos, uno de México y otro de Uruguay. El ambiente, al ser uno-a-uno tiende a ser distendido y cercano.

Puentes es un encuentro de coproducción. Existen diez proyectos en etapa de desarrollo, cinco latinos y cinco europeos, que fueron seleccionados hace varios meses, y que tuvieron una primera sesión de talleres en Montevideo en Abril. En Valdivia es la segunda sesión, con dos días de talleres con mega capos de la Industria, y después una mañana donde pitchearon sus proyectos a distintas mesas de profesionales: habían mesas de productores, de distribuidores, festivales, agentes de venta, etc. Aquí la cosa es en serio, cada proyecto tiene 10-12 minutos para exponer y recibir preguntas y comentarios de cada mesa, y no hay “un ratito más”. Debe aprovecharse cada segundo, planificarse y jugarse la copa en un corto instante de tiempo. Y solo se habla inglés.. Cada invitado podía solicitar una reunión one-to-one en la tarde con los proyectos que le interesasen.

Cine sin fronteras es la reunión de distribuidores latinoamericanos de cine independiente. Ocho compañías se reunieron para aumentar sus conocimientos y entablar conexiones profesionales. Algunas de éstas componen LARED, grupo de distribuidores de contenidos en Latinoamérica.

Pero no todo es formalismo puro. Los cócteles y fiestas son una arista muy particular y única de nuestra Industria del cine. Es lo que llamo “la vida social laboral”, donde uno va a una fiesta a hacer negocios, a conocer personas y a hacer relaciones públicas. Es clave lograr un equilibrio entre el formalismo y verse bien, entre ser simpático y profesional, entre beber y no emborracharse. Pero también hay que exigirse, lograr conquistar y ser conquistados, hay que conversar pero no solo de trabajo. Hay que saludar, sonreír, preguntar, no retener mucho rato a alguien y, sobretodo, tener visión panorámica.

“Lo conozco, pero no sé si él/ella me conoce.” Una cosa es conocer a alguien, saber quién es, pero otra muy distinta es que esa persona te conozca a ti, que sepa quién eres y conozca tus proyectos. ¿Pero cómo puede uno hablar con un titán de la industria? ¿De qué le hablo? No hay que olvidar que son seres humanos tal como uno. Durmieron poco, quizás están con caña y están lejos de sus casas. Con algunos se conectará y tendrá onda, pero con otros no. Sirve también darle follow-up a las relaciones, pero también hay que seguir yendo a los siguientes eventos de Industria. American Film Market en Santa Monica, Ventana Sur en Buenos Aires son los siguientes este año. Y por supuesto volver a Valdivia el próximo año.

Por otro lado, también he ido aprendiendo que pueden llegar a ser fundamentales los encuentros casuales. Valdivia es una ciudad pequeña, entonces es fácil encontrarse con la gente caminando en las calles, en la fila entrando o saliendo de una función, en un almuerzo grupal, o compartiendo un taxi o van. Casi siempre estos encuentros son casuales, no-planificados y no duran mucho. Uno siempre tiene algo que hacer más tarde y hay que saber aprovechar esa corta ventana de atención que se está teniendo.He aprendido que una de las mejores maneras de entablar una conversa es haciendo preguntas. Y escuchar las respuestas, para hacer más y mejores preguntas. Hay que conocer al otro, preguntarle sobre sus proyectos. Es clave tener buena memoria y, como siempre, empatía. También sirve ser un poco puntudo, y sobre todo, saber lo que uno y sus proyectos necesitan, para saber pedirlo y buscarlo.

Cabe señalar la impecable organización y coordinación de este evento. Mis felicitaciones al equipo. No es nada fácil coordinar decenas de personajes de muchos países, cada uno con sus agendas, personalidades y peticiones especiales.

Soy un miembro de la industria del cine. Me es raro decirlo en voz alta o escribirlo, con miedo a que suene soberbio. Pero lo soy. Hace dos años no era nadie, conocía a pocos y nadie me conocía. Tampoco es que ahora sea mucho. Pero con mucha ayuda, suerte y confianza he logrado posicionarme en esta Industria Chilena Audiovisual. Tú también puedes hacerlo. Tú también podrías lograrlo. Primero hay que quererlo, después hay que tratar. Y ahí uno va viendo cómo le va.

En una mente entrenada para leer dobles intenciones y pretender entender cómo funciona la mente del otro, cada palabra es clave, cada entonación, gesto, mirada o tiempo. Cada movimiento es un potencial documento subjetivo, capaz de cambiar la realidad concreta, capaz de construir o destruirlo todo.

Después de ver Viola, de Matías Piñeiro, mi mente se desordenó: ¿es posible de pronto, que alguien retrate tan perfectamente lo que pasa dentro de mi cabeza? pensé. Salí confundida y feliz, yo creía ser la única en pasar horas descifrando los lenguajes y estrategias de la seducción. Pero el hecho de haberme identificado no sólo con una, sino con todas las mujeres de la película, me sorprendió.

El director mezcla elementos propios del lenguaje audiovisual, para reflexionar sobre otros lenguajes, como el del teatro o el lenguaje amoroso, y lo hace de una manera única. “Nunca vemos una obra de teatro en primer plano”, fueron las palabras de Matías al referirse al punto de vista que plantea al ubicar al espectador en la acción misma. Nos introduce en un espacio íntimo, y estamos obligados a permanecer ahí.

La reiteración del texto de Shakespeare nos permite poco a poco alejarnos del lenguaje verbal, y comenzar a reparar en la gesticulación, las miradas y lo que se dice con el cuerpo: en el lenguaje que subyace las palabras.

La forma que adopta la película, su estructura narrativa, el manejo del ritmo, la decisión tras lo que se muestra y lo que se puede ocultar, es coherente con lo que expresan sus situaciones, en las cuales el texto es una excusa para transmitir algo más. Se habla mucho, pero se dice más. Y todo ocurre dentro de la atmósfera atractiva, suave y sorpresiva, donde el arte de la seducción y la manipulación -los temas ejes de la película- , funcionan en concordancia con su tratamiento. Es el cómo se dicen las cosas, lo más importante. La película trabaja con lo que esconde una mirada aparentemente casual, con los juegos del lenguaje, de la mente, y con todo lo que está sujeto a la subjetividad. Y se refiere a códigos muy íntimos que, aunque pensemos que son propios, son en realidad comunes para quienes vivimos en el mundo occidental.

Al escuchar a Matías, y a Romina Paula, actriz en Viola, contestar las preguntas del público, me pareció reconocerlos a ambos en la película. Y en este sentido, fue como prolongar el sentimiento de la película, en una relación cara a cara con quienes la crearon, en un proyecto de desarrollo conjunto, donde plasmaron todas las ideas y sentimientos con una fidelidad extrema. Me refiero a que su manera de abordar las preguntas que les hacía el público, y la precisión y coherencia para entregar las respuestas, gozaba de la misma perspicacia y densidad que caracterizó la obra fílmica. Matías y Romina le ponían palabras a sus pensamientos como realizando una analogía y una transformación, en que se fusionaban imágenes e ideas de la misma forma que en su obra, a veces intrincada y hermética, y otras veces plena de un gran sentido integrador.

Esta es una película la vimos en Valdivia 2012, pero se encuentra actualmente en la cartelera de Inedit 2012.

Vivir en un país diferente al donde uno nació no es fácil. Si cambiarse de casa es una experiencia traumática por el nivel de cambio que exige, imaginen lo que es cambiarse de país. Debes dejar todo lo que tienes atrás, y lanzarte a la experiencia de un lugar completamente nuevo. Actualmente, irse tiende a ser una opción de vida, pero nunca debemos olvidar que miles de personas, obligados, han debido abandonar sus países. A muchas personas en este loco mundo los han echado de sus países y les han dicho: no puedes vivir aquí.

Eso es una experiencia que te define, te cambia. Cambiarse de país es algo grande, algo que no le pasa a tanta gente, pero le pasa a más gente de la que uno llegaría a creer. Al fin y al cabo, los “país-cambiados” no tienen una bandera o polera que los indique. Esta condición es algo más o menos íntimo, para lo cual debes intercambiar más de tres frases para saberlo.

Los “país-cambiados” son un tipo de personas, y me he dado cuenta que los que me caen bien al tiro tienden a ser de este grupo. Quizás porque los que han vivido en otros países tienden a ser más interesantes, sencillamente porque viajar te permite ampliar tus propias perspectivas. O quizás porque soy uno de ellos, entonces se genera una atracción mutua natural, irresistible en algunos casos. A algunos les cambian ciertas costumbres, a los más raros los acentos se empiezan a mezclar y se nota, “hai cachado que ése gallo/galla habla como… raro.” A la mayoría de los chilenos que conozco eso les desagrada, pero debo confesar que es algo natural, no planificado. Genuinamente se empiezan a incorporar nuevas palabras que expresan mejor, o más rápido lo que uno quiere decir.

Durante la última noche del pasado FICValdivia 2012 había una función de Tropicália, documental sobre el movimiento cultural brasilero que partió a mediados de los años 60. Los representantes más reconocibles son Caetano Veloso y su hermana Maria Bethânia, Gilberto Gil, Jorge Ben Jor, Gal Costa y Os Mutantes. En esa época la única manera de ver música que no fuera en vivo era a través de la televisión. Había en Brasil Festivales de música donde jóvenes grupos musicales competían por premios, pero sobretodo querían mostrar sus creaciones a todo el país. Hasta que sucede un golpe militar en Brasil y muchos de los tropicalistas son enviados al exilio.

Escuchar música es una experiencia que emociona. Si es de la época en que creciste, más aún. Y si eres un “país-cambiado”, es volver a ese país donde ya no vives, el cual crees que conoces, pero que en rigor es un bello recuerdo de tu propia infancia. Escuchar las canciones de tu vida, y más encima en el cine, fácilmente se transforma en uno de los mejores momentos de tu semana. Creo que es por eso que durante los 94 min de Tropicália lloré sin parar, pura emoción. Un broche de oro acorde a lo inolvidable y marcante que fue para algunos este FICValdivia 2012. ¡Vivan los Festivales de cine, viva Valdivia!

Trailer :: Tropicália from BossaNovaFilms on Vimeo.

Viola es una película cortita, con la mejor propuesta fotográfica que vi en Valdivia 2012.

Apenas salí de la peli no estaba segura si la entendí demasiado bien, y por lo mismo ni si escribir sobre ella o no. Pero ahora me parece que si.

Viola es una mujer. Y esta película esta llena de mujeres hermosas, de una sensualidad femenina que solo puede existir en la medida que somos, y somos solo mujeres.

Si, es una cosa de género. Somos esencialmente distintos.

Primeros planos de bellos rostros. Da una sensación de sueño que no termina, de luces de un mundo extraño pero hermoso. Real maravilloso, diría, con permiso a la literatura.

Shakespeare es siempre peligroso. Aún así Viola se defiende bastante bien.

Una obra de teatro, con una mezcla de muchas obras Shakesperianas, plasmada con el mejor lenguaje cinematográfico en cuanto recursos audiovisuales.

Dos mujeres, repiten y repiten un texto ensayando la obra, mientras horas antes una decidía seducir a la otra. Shakespeare. Viola toca el timbre mientras adentro se besan.

Finalmente creo que si la entendí, aunque tampoco importa demasiado.

Hay una cosa corporal y un paradigma teatral que atraviesa toda la película, de imágenes inquietas que esperan que pase algo, que a veces pasa, que a veces no.

Me preguntaban después si las mujeres realmente somos así, respondí que si.

“Esto no es una película”, “me gusta la luz estroboscópica”, “¿qué esperamos ver en un festival de cine cómo este?”, “esto está hecho con fines diferentes”: estas son alguna frases que escuché a la salida.

La primera película de Domingo García-Huidobro, propone una estética atractiva, pulcra y coherente en el tratamiento del sonido y del color. Es el trabajo de atmósferas con cierto carácter hipnótico, uno de los fuertes de esta propuesta. El negro se apodera de la pantalla: el trabajo de luz y sombra es placentero. La película goza de una variedad de texturas, tanto visuales como sonoras, que mantiene al espectador concentrado un buen rato recorriendo los cuadros.

De pronto irrumpe una sucesión de efectos de luz estroboscópica, se incluyen secuencias breves de registros precarios de ovnis. La verdad es que aún no estoy segura de haber hecho la relación entre estos elementos que, más que fluir, irrumpían en mi estado aletargado.

A menos de la primera mitad de la función, algunos espectadores empezaba a inquietarse. Yo aún gozaba de cierto placer por el disgusto masificado, y como no me había irritado aún, me dediqué a descifrar el por qué del enojo masivo. Pensaba que algunos “pretensiosos” podrían haber aprovechado lo críptico del lenguaje para comentar a la salida lo interesante de la propuesta: (“Como nadie entiende nada, si decimos que nos gusta, seremos más refinados y extravagantes”), dirían algunos. Pero, si el mundo quiere ser sofisticado, ¿por qué no se hacían los intelectuales?, la realidad era que la gente se paraba de sus asientos y se iba, entonces la ansiedad se percibía en el ambiente. Y quien aun disfrutaba de la función era yo y otros pocos. Era yo y algunos más, quienes tendríamos que justificar, a diferencia del resto, nuestro extraño gusto por la película, y de la misma forma articular no se qué cantidad de ideas complejas y conceptos intrincados, que respaldaran nuestra aparente actitud de ignorantes extremos con aires de eruditos, o nuestro inexplicable gusto por lo injustificado. Muy en contra de la mayoría, también sentí la satisfacción de confiar en mi instinto y saborear ese complejo nuevo sabor que estaba reconociendo.

Ante la expectativa de tener la satisfacción de que se integraran las partes de la propuesta, fracasé y también la obra. La carencia de guión se hizo notar. El tratamiento plástico y sonoro de la película, no tenía sentido real ni metafórico. Pese a esto, la experiencia de verla me mantuvo todo el tiempo en conflicto, y eso lo agradezco, pues no me dejó indiferente.

Preludio from Partir To Live on Vimeo.

Una de las claves de ser una buena persona es cumplir con lo que uno se compromete. No siempre es posible lograrlo. Hay algunos que valoran el hecho de haber intentado. Otros no logran perdonar a los que renuncian.

¿Qué quieres hacer cuando grande? Dudo que alguno responda “quiero trabajar en una ambulancia”. Eso hace el trío de protagonistas de Sofia’s last ambulance.

SLA es una película búlgara de la competencia internacional de FICValdivia 2012. Si bien es una de las frases clichés sobre los festivales también es una de esas mágicas cosas que logra un festival y sus películas: ver otra parte del mundo que uno no conocía. Y por algo esta frase ya ha logrado convertirse un poco cliché, porque puta que es cierto. Ver un trío de búlgaros que trabajan en una ambulancia, la Patagonia en full HD, cómo era ser negro en USA durante los 60, y más encima en pantalla cine, es un placer único. Y todo lo que puede cambiar vidas hay que reconocerlo, hay que hablar de ello.

SLA es una película que cuenta una intensa historia: un equipo médico de ambulancia de tres personajes, el piloto, la paramédico/radio operadora y el doctor recorren Sofia, Bulgaria durante noches de urgencia. Vemos (digo, los planos muestran) a este trío durante sus turnos, vemos sus caras en primeros planos de cada personaje. Nunca se ve lo que están atendiendo, los pacientes, solo vemos sus caras y reacciones a lo que están viendo. Ver a alguien viendo puede llegar a ser algo súper potente y decidor.

SLA pega fuerte. Este trío maravilla son amigos y comparten una intimidad muy grande. Conversan mucho y hablan en voz alta sobre todo. Vemos una carrera frenética de autos en un plano único de la cara de la paramédica. Vemos solo la cara del chofer pensando en si renunciar o no. ¿A qué renuncia exactamente un doctor cuando deja su carrera? ¿Renuncia a salvar vidas? Qué duro. El doctor dice “Soy el único resucitador de Sofía.” Viven en una sociedad que no funciona. ¿Pero cuando alguna ha funcionado?

SLA es una película arriesgada y que mostrando poco logra transmitir mucho. Ignoro cualquier dato sobre la producción, pero es posible intuir que quizás gastaron muy poco dinero en hacerla. Hacer cine no se trata de gastar plata, se trata de contar historias. Y de tratar de ganar dinero para poder hacer la siguiente película.

Como en gran parte de las películas que vi durante el festival, han ido cambiando mis percepciones entre conversación y conversación sobre La Chupilca del diablo. Ganadora del segundo lugar en Competencia Chilena.

Es cierto que en momentos se me hizo lenta y larga. Tediosa quizá. Pero esa sensación de tedio genera la práctica constante de ver dos o tres película al día en un festival como éste. Películas que probablemente no podremos volver a ver o conseguir. El ojo y el resto de los sentidos se disponen a ver cine de festival. Luego viene la inevitable fábrica de expectativas frente a la entrega metafísica de una, dos o tres horas, sentado delante de la película. Y todas las horas que vienen después.

El guión es redondito. Nada nuevo pero funciona. Cámaras en mano, personajes extraños pero no demasiado. El contexto se envuelve de una actualidad latente, en eso nos reconocemos, y la película se vuelve familiar.

Típico abuelo trabajólico que deja todo por su fábrica de agua ardiente y pierde a su familia por la famosa soledad productiva. Típica familia acomodada chilena, con dos o tres hijos, y muchos nietos que esperan expectantes la navidad. El regalo del abuelo siempre son lucas y el nieto mayor se lleva mal con su mamá. Típico joven medio vago, rebelde. Y su padre siempre ausente.

El Abuelo y el nieto se reencuentran, pero el agua ardiente ya no se vende más, y el terreno de la fábrica es el único que ha resistido ser vendido a la inmobiliaria de la cuadra. Para hacer edificios y más edificios.

Creo que esta podría ser una gran realización. Me faltan cosas que pudo hacerla más interesante, probablemente momentos del personaje más joven (en la búsqueda de algún tipo de reconocimiento). Pero en momentos me reí bastante. Jaime Vadell es un gran actor, y su personaje un gran personaje en cuanto interpretación.

Hablé suficiente de formas de hacer cine. De modelos, repeticiones y fórmulas.
La Chupilca del diablo triunfa, creo, por escapar a estas formulas de cine de festival. Y por volver quizá a modelos seudo tradicionales. El cine clásico siempre funciona, pero en un contexto como éste, paradójicamente, se vuelve como una película distinta, casi punk. Algo así como neoclasicismo festivalero.

Ayer descubrimos un par de cosas. Una, que seis días de festival pueden ser muchos, vividos desde principio a fin. Despertarse con películas, acostarse hablando de ellas, y entremedio ver y volver a ver a la misma gente. Por muy perfecto que salga todo, es un ejercicio que se agota, y que ayer en la ceremonia de clausura se evidenciaba en las diluidas energías de los que estaban. Los ganadores no hablaban mucho, el público aplaudía poco, y a la salida todos como zombie tratando de descifrar la tarde.

Y lo segundo que descubrimos fue que el McDonald’s es el mejor refugio cuando la onda festivalera ya te termina de agobiar: puros valdivianos comiendo hamburguesas, ningún invasor cinéfilo buscando y saturando lo autóctono.

Tampoco descubrimos mucho. Se notaba que la ciudad también ya estaba un poco cansada de su festival. El domingo, ya con mucha gente ida y de vuelta, los locales tenían más mesas vacías y las meseras sonreían porque atendían sin prisa, y en los pastos de la costanera habían familias felices bajo un sol grande que no calentaba. Era Valdivia pasando la caña.

La mejor película chilena fue Donde vuelan los cóndores, aunque la mejor de las internacionales también salió de aquí: De jueves a domingo, de Dominga Sotomayor. El premio lo recibió Francisco Pérez-Bannen, leyendo de su teléfono un discurso que Sotomayor escribió en un avión rumbo a alguna parte. La premiación no tuvo mucho nervio ni misterio, y los que muestran más emoción son los estudiantes, ganando algunas lucas con sus cortometrajes, que los grandes largos que consiguen más plata y mejores premios.

El año pasado escribí que “Valdivia probablemente no es la ciudad más linda de Chile, pero el de Valdivia definitivamente sí es el mejor festival”. Confirmo la sentencia. El cine encuentra su mejor espacio en este lugar, que en su imperfección se hace adorable; en su clima impredecible, sorpresivo; y en su amistosa familiaridad se transforma en un imperdible de cada año. Aunque terminemos un poco cansados.

Guerra da Mata, en el universo de la película, viaja a Macau a pedido de Candy, quien le cuenta que cosas extrañas y tenebrosas están sucediendo. No ha pisado esas tierras de hace treinta años y ahora se apronta a, en sus palabras, regresar al tiempo más feliz de su vida.

Lo que sigue a esta entrada un tanto nostálgica es la torpeza de los desencuentros, donde se siente una suerte de suspenso-expectativa por que se cumpla el motivo básico del viaje: el encuentro entre Candy y Guerra Da Mata. Pero esto no sucede. Hay tropiezos y una sensación general de deriva al estar en un país en que, a pesar de haber sido por décadas colonia de Portugal, nadie domina ni entiende el idioma.

Con el avanzar de las escenas el misterio se va iluminando y vamos entendiendo la naturaleza de esta historia. De la misma forma en que Bankolé, en The Limits Of Control, emprendía un viaje solitario donde cada encuentro era una pista para concretar el fin, nuestro personaje en Macau recibe llamadas de extraños y cartas de alerta, a la vez que documenta la historia reciente y la cultura de la ciudad China. Guerra Da Mata es un documentador a pesar de sus intentos por revertir el curso de los eventos y salvar a su amiga del peligro; un personaje pasivo que se encuentra en los momentos previos de que estalle la verdad. Las cosas se le muestran solas al ser el inofensivo merodeador de este limbo que separa a los grupos en conflicto.

En Bonsái, la película de Cristián Jiménez, hay un momento en que Julio le cuenta a Blanca de qué trata la novela de Gazmuri. Ella le pregunta sobre esta pareja de jóvenes, que cómo se llaman. Julio responde que no tienen nombre, son él y ella, y es probable que tampoco tengan cara. Y eso último, dejando de lado la risa, es lo que hacen estos dos directores portugueses al contar la historia. Los personajes no tienen cara. Todos los planos en que hay acción de, o entre, los personajes, no nos muestran más que sus manos, una pierna muerta, un brazo izquierdo llevando una jaula, una espalda, etcétera, mientras el diálogo los domina. Y como además la narración del personaje principal relata, aparte de la historia pasada, la mayoría de los acontecimientos presentes, esto se convierte en un ejercicio que se aleja de los usos convencionales de la visualidad. Es extraño, de alguna forma elimina las imágenes como motor activo de la narrativa, y a la vez, en su ausencia, reafirma la sensación de estar a la deriva, como si camináramos el día entero mirando al suelo, dejando que las voces guiaran los movimientos; una versión, quizás, más melancólica de 28 Days Later; sin los zombies pero igual de solitaria.

Luego, La última vez que vi Macau, se transforma en otra película. O no tanto así como otra película, pero hace algo parecido que A Day In The Life, la canción de los Beatles; lo que parte con un ritmo en la segunda mitad se transforma en otro. Acá la idea y todo lo que imaginamos y entendemos de la historia luego se transforma en otra cosa, pero que a la vez sigue siendo la misma rama aunque se haya extendido de formas o a lugares un tanto inesperados. Pero claro, es trabajo del espectador no perderse entre las ramas secas y apuntar al lugar de donde nacen las más fuertes. Poder, en el mejor de los casos, dibujar el árbol completo.

Me gustaría contar el final pero mejor no echarlo a perder.

Lo importante es que la decisión de los planos, el silencio y la moral del final están en perfecta sintonía con la cosmovisión oriental (la tradicional, no la de los robots), cerrando la película en un círculo perfecto que quizás no contenga nuestras historias y sentimientos más personales, pero sí logra entregar algo que se nota sincero y hecho con dedicación, convirtiéndose en un ejemplo novedoso de buen cine.

En comparación con otras etapas de la vida, la turbulenta adolescencia debe ser uno de los tópicos más retratados en el cine, o, para no usar el argumento de la cantidad, uno de los que posee más matices entre una realización y otra. En L’eau Froide, para usar de ejemplo otra francesa, Assayas cuenta la historia de dos jóvenes que están cansados de las instituciones que los rigen: los padres, el colegio, y la policía entorpecen su búsqueda; los deseos de escapar y de no hacer caso a la realidad que otros construyeron; armar las maletas en un consenso mutuo y no resignarse con las cosas que nos tocaron. A Clockwork Orange, por otro lado, es una demostración de la egomanía, y la ultraviolencia resultante, que provoca la edad de las oportunidades, mientras más cerca acá en el tiempo está Dazed and Confused, con ese palpitar ansioso de libertad característico de Linklater, que bien puede ser una versión más madura y universal de American Graffiti, sin la inocencia gringa de esos adolescentes que salen de la prepa para elegir un estado al que irse a estudiar.

De todos modos, sea cual sea la elección al momento de ver, los puntos en común son claros. La concepción de adolescencia se mantiene intacta mientras sólo cambia el filtro de la proyección; los momentos y los tonos que se subrayan.

L’Âge Atomique, presente en la competencia internacional, es sobre dos jóvenes en la noche parisina. Toman un tren en el que cantan mientras comparten una petaca, llegan a un local de música electrónica con todo el aire a Crystal Castles y se ensamblan en llantos y peleas mientras circulan entre la poesía, el buen gusto a la hora de vestirse, y una sexualidad que se mueve en zig-zag.

Es la edad atómica.

La sinopsis no suena muy original porque no lo es. De quedamos ahí la primera película de Héléna Klotz parecería una versión francesa de Skins cuando no es (tan) así. Lo que sí tiene es una música y una visualidad muy delicadas que crean una atmósfera muy precisa, y que es lo que, al fin y al cabo, denota el cine de autor y la satisfacción de lo diferente. Las luces fuera de foco, el humo de los cigarros y las luces de colores hacen parecer que el interior de este club tan ondero se expandió como la niebla al resto de la ciudad. Sin embargo el glamour de estos púberes que está a ratos dominado por la búsqueda de un sexo entre agresivo y romántico, y las experiencias reales, está también atravesado, obviamente, por ese romanticismo tan francés. Superromanticismo, digamos, por su exageración. Hay un momento esclarecedor en que Victor (Eliott Paquet) le dice a Rainer (Dominik Wojcik) que la chica que salió del baño se enamoró de él, por lo que Victor luego en la barra se le acerca y comienzan a conversar. No recuerdo exactamente qué le dijo, pero se la engrupió entre halagos poéticos y promesas de amor mientras la música en el fondo se ralentizaba al ritmo de sus palabras. Es un dialogo pomposo, la chica se pone a llorar y la pintura se le desliza por la curva de sus pómulos. Luego Victor le dice algo, parece que después de tocarle el pelo, y la chica de cabellos rubios le da una cachetada. En la escena siguiente, o la siguiente-siguiente, Victor llora a moco tendido, como diría la abuela, en una azotea con gárgolas y luces moradas. Un combo de lágrimas que antecede a la pelea con unos tipos afuera del club, donde los insultos rondan entre lo barata que parecen sus ropas y lo gay que se ven. No sé con qué cara se insultan si todos se ven iguales.

Por eso a ratos la sutileza de la atmósfera se ve contaminada por la exageración; la exageración lleva a la risa, y esta no es una película que te quiera hacer reír.

Sin embargo este es de esos agradables casos en que las imágenes se van contigo hasta la casa y te acompañan en el desayuno del otro día. Y eso, independiente de los problemas morales que no están en la película sino que los forma uno con su juicio, es lo que sustenta el cine. Las imágenes nunca vividas pero que se hacen un puesto en el recuerdo, envueltas sobre todo en la atmósfera de la música y sus sensaciones.

Imágenes para llevar.

Hay algo muy raro en sentirse invadido en una ciudad que no te pertenece. Yo, un vil invasor, me sentí irrumpido cuando de pronto llegó tanta gente a Valdivia, dándole un ritmo que esta pequeña ciudad no es tan capaz de aguantar. No hay suficientes meseros en los bares ni tantas mesas en los restaurantes, y las colas fuera de las salas dan varias vueltas, quince minutos antes de que empiece la función.

Me encanta la gran ciudad, su loca velocidad, pero en pocos días también se aprende a apreciar el ritmo de Valdivia, donde sólo se corre por un techo cuando se larga a llover. Es fácil caer en esta dinámica y tomarse las cosas con más soda, sentarse en el pasto y mirar a los que están en la misma, un poco más allá.

Pero para los últimos días es sabido que llega el contingente más pesado al Festival. Los restoranes se ven llenos y ruidosos, gritos de conversaciones exageradas salen de las ventanas de los bares, y gente que aunque privadamente se detesta, se saluda con falsa efusividad cuando se encuentra en alguna esquina. Santiago tiene una artificialidad permanente, sobre todo en las relaciones sociales, y de tanto practicarla se hace común y hasta natural. Es parte del asunto. Pero cuando llega de pronto y con fuerza a un lugar tan opuesto, como lo es Valdivia, se hace muy evidente y muy triste.

Tres es la última película de Pablo Stoll, el director que ha sido la sensación de este año. A alguien podrán no gustarle mucho sus películas, pero su presencia y su actitud son tan espontáneas y despreocupadas, tan pacíficas y carentes de pretensión, que se hace imposible no admirarlo por eso. Ser un director de cine respetado y muy premiado, y andar por la vida con un abrigo y hablando despacio, negándose cualquier mérito, no es algo muy fácil de encontrar. Pero acá está y por eso todos lo aman y hablan de él.

La película no genera las opiniones unánimes que 25 Watts o Whisky, pero confirma un estilo y una forma de hacer cine muy propia y única, arriesgada y humilde en proporciones similares. Hay patetismo y absurdo, situaciones irreales y raras, y siempre basadas en el humor y la emoción. Igual me cuesta opinar con imparcialidad cuando, en el climax de uno de los personajes, la canción que suena es de una de mis bandas favoritas en la universidad. Es una patada en el corazón, ya no le puedo pedir nada más.

Después en la noche ya se notaba lo que decía: filas largas, bares llenos, mucho ruido. Habla, de todas formas, del éxito que está teniendo con los años el Festival: cada vez más son los que se toman el tiempo y la plata para venir y ver películas y pasarla bien. Viola, un film de Matías Piñeiro, llenó su sala veinte minutos antes de que empezara, siendo un trabajo experimental, más difícil que fácil, sin todavía un montón de premios que la levanten.

En La última frontera, el local oficial del Festival, donde todas las noches circulan directores, productores y otras figurillas, los meseros ponían caras severas. Chocaban con las sillas y las personas, mientras algunos alegaban por su mala onda. Al final, cuando ya ordenaban las mesas y Black Sabbath sonaba por los parlantes, uno de ellos no simuló su sonrisa al darse cuenta que esa era la última noche del FICV.

—¡Váyanse! —grito, tan en broma como en serio—. ¡Y no vuelvan más! No, no, vuelvan nomás, cuando quieran. Pero a otro local, no a éste —dijo riendo, sabiendo que era un chiste pero también una verdad.

Nuevamente: cine dentro del cine.Lenguaje metaliguistico, como una cajita a dentro de otra, y de otra. Hablamos de pura realización cinematográfica.

Donde vuelan los cóndores es un documental sobre la realización de otro, ¡Vivan las antípodas!, de Victor Kossakovsky, reconocido director documentalista ruso, que abrió el Festival de Mar del Plata 2011. Afortunadamente tuve la oportunidad de verla también, y de escribir sobre ella. De no haber sido así, probablemente mi percepción de este nuevo documental sería muy distinta.

En realidad, lo que hace Carlos Klein, más allá de documentar la realización de otro trabajo, es un retrato lo más transparente posible de su director. En este sentido, me parece que la película se logra a la perfección.

Dos directores, dos películas. No olvidar.

Documental reflexivo. La palabra es de su director, para luego ceder sus imágenes a otro. La película comienza con un video casero de Klein tomando una cámara por primera vez. Su voz nos explica cómo llegó a realizar lo que estamos viendo. Kossakovsky le dice que a nadie le va a interesar, pero Klein demuestra lo contrario. Y al final de la función nos cuenta que al director ruso le encantó. Que Victor se amó a sí mismo.

En Mar del Plata, recuerdo estar en una entrevista de Kossakovsky con unos estudiantes de la Universidad de Buenos Aires. En persona es muy parecido a como se muestra en esta película. Algo de lo que aprendí, mirando este documental, es que el cine, por más documental que sea, jamás dejará de ser una construcción. Recortar, encuadrar, tomar decisiones, es cortar lo que uno quiere mostrar de un pedazo de vida, y nunca será un reflejo puro de la realidad. Y lo importante, creo, es definir que eso, claramente, no es lo importante. Realidad es una palabra poco atractiva, incluso poco verosímil.

En la entrevista, con el poco inglés que manejo, me atreví a preguntarle torpemente a Kossakovsky si uno de los diálogos que se mostraba en la película estaba previamente escrito. Si había sido al menos conversado o mínimamente planeado. Me miró con cara de niña estúpida, y me dijo que era una pregunta innecesaria. Que lo real no se planea. No tuve nada que decirle, porque todo lo que habló fue de viejo sabio, y sigo pensando que lo es. Pero todavía dudo de su respuesta.

Me reí mucho durante la proyección del documental, me pareció Kossakovsky un personaje excepcional. Y un muy buen director. ¡Vivan las antípodas! me pareció increíble, de una belleza inigualable. “Quiero que la gente sea feliz mientras mira esta película”. Puedo decir, un poco avergonzada quizá, que mientras la vi fui feliz y agradezco al director de Donde vuelan los cóndores que, casi un año después, me haya permitido saber cómo hicieron para hacerme feliz en ese momento. Qué cursi.

Sin embargo, no olvidemos que esta película es de Carlos Klein, y por ende el mérito es de él, únicamente. A pesar de que se utilicen imágenes del otro documental, me parece que si hay una diferencia que el mismo quiso marcar, que es válida y altamente rescatable. Porque hacer una película de otra película, no significa que estas deban ser estéticamente parecidas. Klein, a cuestas de querer hacer lo que se propuso, se salió con la suya, y bien merecido lo tiene.

En el FIC Valdivia Pablo Stoll se ha convertido en el autor en foco más interesante que me ha tocado re descubrir por estos días. Cine que despierta ganas de hacer cine.

“25 Watts” la vi hace un par días recorriendo el festival. Me encantó. Tiene todo lo que me interesa de una película: personajes atractivos, un guión excepcional, una historia sencilla que no es ni enredada ni rebuscada, sin un conflicto central o tradicional que la convierta en una película más.

Blanco y negro. Fílmico. Tres personajes masculinos: jóvenes con vida de jóvenes. La edad de oro, los mejores momentos y por sobretodo el mejor retrato cinematográfico de aquellos momentos, de esas palabras. De esa particular etapa de la vida que todos conocemos y conocimos, y que nos morimos por volver a vivir.

25 Watts es de esas películas en donde los personajes simplemente son, en donde no pasa mientras esta pasando de todo. Donde nosotros, espectadores (y me imagino más aún en el publico masculino) nos gusta por que nos representa. O al menos eso me ocurrió a mi. Veinticuatro horas de una vida de tres amigos se vuelven eternas en nuestras memorias cinefilas por que revivimos nuestras veinticuatro horas de otro tiempo. Con un dejo de nostalgia reconciliadora. Ni triste, ni terrible. Solo nostalgia.

Entonces el cine se vuelve un secreto cómplice de nuestras memorias, de nuestros recuerdos. Nos reímos con ellos porque nos caen bien. Porque hacer nada y querer hacerlo fueron las ganas que tuvimos en algún momento. Y a veces ahora también.

Pablo Stoll nos cuenta que tres guionistas escribieron la película. Tres guionistas, tres personajes. Defiendo el cine auto referente, me parece transparente. No hablo ni de biografías, ni de auto retratos: sólo me atrevo a decir que un cine que habla sobre lo que un director realmente conoce, lo hace honesto. Y aquí, en 25 watts, se nota.

Es primera vez que asisto al festival de Valdivia, me lleno de experiencia.

Al pasar de los días voy comprendiendo cómo funcionan las cosas, la ciudad se llena de encanto cinematográfico y las salas cada vez con más gente. Me gusta estar acá.

Paseo entre figurillas reconocidas: actores, directores, productores, etc. Veo todo el día películas o me quedo escribiendo pensando y re pensando lo que acabo de ver.

Después de cada película la pregunta siempre es la misma ¿y que tal la peli? ¿te gustó?

Escuché así como “entre pasillos” que los directores nunca se mojan el potito con las películas que ven, que todos les gusta, que son poco exigentes, que prefieren no decir.

Algo así como como compartir una sensación media empática solo por el hecho de saber y comprender el costo humano que existe naturalmente al momento de realizar una película. Puede ser. Aunque nunca es bueno generalizar.

Todavía no soy directora, pero quiero serlo. Pocas veces una película, al menos en este festival, de todas las que vi, me pareció absolutamente mala. Pero las primeras impresiones siempre van cambiando con el pasar de los minutos después de una proyección. Digerir cine no es instantáneo, y creo, tiene mucho que ver con uno, con su historia, con lo que provocan las imágenes y los sonidos en lo más profundo de uno (hablo de entrañas, hablo de piel), entonces decir: “me gustó porque…” no es fácil, pero aún así hay que hacerse cargo de aquello.

Carne de perro, hasta el momento, es la película que más llenó una sala en el Festival. El Aula Magna de la Universidad Austral estaba llenísima y hasta con las escaleras sentadas de gente que quería ver la peli. Creo que buena o mala, es una película digna de mencionar.

El cine de festival, así como Hollywood, también tiene sus formulas que funcionan o no según qué festival. En Latinoamérica tenemos nuestras formas. Y las películas festivaleras suelen funcionar por rasgos similares. Carne de perro, es una película fundamentalmente festivalera. Creo.

Es la historia de un ex torturador en la actualidad. Tema: cine de festival.

Más allá de muchas cosas, rescato enormemente el trabajo de los actores, por sobretodo el del personaje protagonista. Creo que hubo un buen trabajo de desarrollo de personaje, que funciona el trabajo corporal, los gestos, la violencia explícita metida adentro de cada pedazo de su cuerpo. Funciona tanto que bordea peligroso lo predecible.

En cuanto puesta en escena y fundamentos estéticos, durante toda la película estamos con él. Esperando que haga o no, que reaccione, que diga lo que calla. Nunca, creo, voy a defender a un personaje como un torturador, nunca podría decir “pobre”, nunca podría estar de su lado. No me queda clara si es o no la pretensión de la peli, pero creo que no. La cámara siempre lo acompaña, desnuda cada momento intimo que a veces no quiero conocer. No me compadezco ni un poquito. Aunque planos hermosos manosean sus acciones, la iluminación perfecta. Un guión muy discutible, si, pero que para esto funciona. El fuera de campo, trabajado con el sonido, articula cada próxima reacción.

De noche Valdiviana escuché muchas opiniones sobre la película. Encontré razones para que no me gustará pero igual me gustó. Hablaba de hacerse cargo, en eso estoy.

Carne de perro // trailer from sebastian olivari on Vimeo.

El otro día decía que lo mejor de los festivales de cine era esto de sentirse en muchos lugares del mundo estando en sólo uno, que más encima es tan pequeño. Valdivia se cruza rápido y todo está cerca, entonces la sensación de ubicuidad se potencia y no se pierde en las distracciones que inundan a las grandes ciudades. El otro día decía eso pero ayer me di cuenta de otra cosa y ya no sé qué es lo mejor.

Había sido un día tranquilo, diría incluso relajado, porque el peso de la semana empieza a sentirse en los hombros y las piernas, y ya no somos tan jóvenes como el año pasado. Cinco días de festival no pasan en vano, y una cosa es querer y otra tan distinta es poder: la película de las once y media de la mañana es una misión imposible y cruzar el puente es como escalar el Everest. Las decisiones, entonces, se toman con más sabiduría que vértigo, y aunque sea una actitud media vejeta, parece ser lo más justo para el cuerpo y la cabeza.

Era de noche y hablábamos de las cosas que se hablan en los festivales: de películas, de carretes y de algunos chistes. Lo realmente chistoso, eso sí, es cómo de repente nos vamos creyendo el cuento y nos hacemos los cinéfilos, y hablamos de cinematografías y planos, tensiones y fotografía, diseños de sonido y otros tecnicismos de los que realmente no tenemos idea. En otro contexto, serían las conversaciones más pasadas a caca que podrían existir, pero caminando por Valdivia, abrigados hasta el cuello y andando a paso rápido, sale como lo más natural del mundo. Es asqueroso, visto desde acá, mediodía con resaca, pero es así. Al menos lo pasamos bien.

Entonces: era de noche y hablábamos pasados a caca, y entramos a ver esta película de la que sabíamos poco pero nos interesaba muchísimo: The Black Power Mixtape. Y ahí me di cuenta, después de verla, de la otra cosa: de que lo mejor de los festivales de cine, aparte de la ubicuidad, es saber que uno sabe tan poco.

Sentirse ignorante casi siempre es vergonzoso, más si uno anda por la vida de periodista, haciendo como que sabe de lo que habla cuando en verdad no entiendo nada. Pero hay una sensación de ignorancia que me gusta mucho: cuando algo —un libro, una persona o, como ahora, una película— me hace conocer algo de lo que no sabía, y aparte me invita a seguir sabiendo más. Aunque a veces me abruma y me apena darme cuenta que hay tantas cosas de las que nunca voy a tener idea, también me excita mucho salir de una sala de cine, como anoche, y sentirme un ignorante con ganas de seguir conociendo.

Como decía Mixtape en el título, los giles pensamos que tenía algo que ver con música, y como más encima decía Black, dijimos bacán, música negra antes de salir a carretear. Por suerte, resultó ser una película política con un punto de vista muy marcado: la historia del movimiento de reivindicación racial en Estados Unidos, que explotó en los sesentas y se diluyó una década después.

Basada en un archivo de la televisión pública sueca, que en esos años hizo extensos reportajes a los líderes negros —Stokely Carmichael, Angela Davies, Malcolm X, Marthin Luther King y los Panteras Negras— la película narra el auge y caída del movimiento. La gracia es que a las imágenes suecas, que tienen alto contenido documental, se les suma el relato de artistas e intelectuales negros de hoy, que analizan la historia con la perspectiva que da el tiempo. Podría haber sido un homenaje a estos grandes estandartes de la lucha racial, y quizá habría estado bien. Pero el documental se propone dudar de la historia oficial, y preguntarse por qué fue que finalmente este movimiento, que primero fue racial y luego político y revolucionario, se quedó a mitad de camino.

A la salida hacía mucho frío, y la pregunta generalizada era por el carrete y dónde iba a ser. Era justo: a las doce de la noche hay pocas cosas más urgentes que esa. Pero mientras vagábamos, buscando el lugar de la fiesta, me vino esta ignorancia. Yo sé que debería ser una sensación permanente, pero en este mundo sobrestimulado de información es fácil olvidarse y dejar de sorprenderse. Así, caminando sin mucho destino fui feliz recordando mi ignorancia. Que no sé nada y me queda tanto por saber. Y que un festival de cine es un buen lugar para sentirse así.